L’histoire, « vraie de vraie », de Steven Russell est incroyable : flic, époux modèle et père de famille, il décide de tout plaquer et d’assumer au grand jour son homosexualité avant de se retrouver en prison pour escroqueries en tous genres. De l’explosion de la famille nucléaire à la relation passionnelle entre Russell et Phillip Morris, rencontré en prison, Glenn Ficarra et John Requa signent une comédie efficace, à la fois drôle et audacieuse. I love you Phillip Morris s’aventure sans cesse sur des terrains inattendus : il joue d’abord, au Texas, avec les clichés associés à l’homosexualité avant de se muer en peinture ironique du milieu carcéral puis en portrait d’un escroqueur de génie. La grande force du film est de ne jamais se laisser dépasser par les multiples sujets qu’il aborde. Mêlant avec une grande intelligence plusieurs registres, Ficarra et Requa font toujours les bons choix. Après quelques gags efficaces ressurgit la gravité des thèmes abordés. Inversement, le comique vient court-circuiter une scène plus dramatique avant qu’elle ne sombre dans le pathos (le coup de théâtre final en est le plus bel exemple). C’est parce qu’il s’illustre sur plusieurs tableaux et qu’il trouve toujours le juste équilibre entre divers genres que le film séduit de bout en bout.

En outre, la réussite de I love you Phillip Morris est liée à sa façon d’aborder l’homosexualité : en l’imposant comme une donnée du récit et non comme l’enjeu principal et/ou unique, Glenn Ficarra et John Requa évitent de refaire le film que d’autres ont déjà fait (plus ou moins bien) avant eux. « I love you Phillip Morris » dit Russell à son amant, mais il ne sait comment le lui prouver, ainsi le film est-il un enchaînement d’actes tous plus fous les uns que les autres, qui sont autant des armes de séduction que les preuves d’un amour fou. Steven Russell se fera passer pour un avocat ou pour un comptable dans une multinationale, ce qui lui permettra d’offrir à Phillip Morris une vie de rêve. Mais il y a un prix à payer pour cela : plus que la prison impliquant la séparation, c’est le mensonge qui éloigne Steven et Phillip. A force de s’engouffrer dans combines malhonnêtes, Steven devient un grand malade, incapable de se sortir du mensonge : à l’image du film, c’est à la fois très drôle et profondément triste. Jim Carrey réalise une grande performance en parvenant à faire ressortir l’ambivalence de son personnage. Face à lui, Ewan McGregor est tout aussi surprenant. Le duo donne une certaine notoriété à un film qui s’impose comme une comédie exemplaire et tend vers l’idéal que l’on peut avoir du cinéma indépendant américain.

15/20

S’il est un habile réalisateur de films d’épouvante, Alejandro Amenabar peine à s’imposer lorsqu’il essaie de s’ouvrir à d’autres genres. Agora en est la preuve la plus irréfutable : avec ce péplum le réalisateur s’attaque à un projet bien trop ambitieux pour lui. En deux heures (bien longues), Agora est à la fois le portrait d’une femme revendiquant sa liberté, Hypathie (Rachel Weisz, trop mal dirigée pour convaincre) et les violentes confrontations entre différentes religions qui, bien qu’elles aient lieu au IV^ième siècle à Alexandrie sont universelles et toujours d’actualité. C’est le combat entre croyance aveugle et raison que met en scène Amenabar, en retenant par ailleurs les premiers questionnements sur l’espace et l’astrologie. Son projet est intéressant et pertinent, mais malheureusement Agora se complait dans un certain manichéisme et agace par une approche trop scolaire du sujet. Seul un second rôle se démarque de la logique binaire du film : Davus, partagé entre son admiration (et son amour) pour Hypathie et l’envie de rejoindre les Chrétiens pour dépasser sa condition d’esclave. Il est le personnage le plus élaboré du film (mais quand même sous-exploité), perdu entre une figure féminine glorifiée, symbolisant la culture et le savoir, et des fanatiques stigmatisés (certes à raison).

Plus que par son scénario restant trop en surface de l’histoire et des questions qu’il soulève, Agora déçoit par l’artificialité de la réalisation. Amenabar répète quelques idées jusqu’à épuisement, notamment les contre-plongées rendant compte de la petitesse des hommes par rapport au monde. Il y a évidemment une confrontation des échelles au cœur d’Agora qui est simplement illustrée et  ne produit finalement que très peu de sens. Par ailleurs, des mouvements de caméra (inutiles et approximatifs) polluent chaque dialogue et d’incessants passages du flou au net sont d’autres tics de mise en scène pénibles. Alejandro Amenabar a de beaux décors et de nombreux figurants : ses plans d’ensemble en rendent compte, sans pour autant en tirer parti. Aucune grandeur, aucune beauté n’émane de cette prestigieuse reconstitution : Agora est un film qui se regarde passivement et sans qu’on n’y trouve un quelconque intérêt. Une musique surligne systématiquement chaque situation alors que le réalisateur se perd dans une vaine multiplication de fioritures. Plutôt que de se perdre dans des projets d’une telle ampleur, Alejandro Amenabar ferait mieux de revenir à des films plus simples, plus concis et donc plus efficaces.

7/20

Le Refuge part d’une idée simple : filmer Isabelle Carré enceinte. A partir de là, François Ozon a écrit un scénario épuré, à l’action minimaliste : seulement quelques personnages et un nombre de décors réduits. Son film va directement à l’essentiel, et ce dès la splendide séquence d’ouverture. Le couple que forment Mousse (Isabelle Carré, dans l’un de ses meilleurs rôles) et Louis est introduit en quelques plans : dans un luxueux appartement parisien, ils se droguent et lui va finir par mourir d’une overdose. Sur son lit d’hôpital, Mousse apprend le décès de Louis mais aussi qu’elle attend un enfant de lui. Deux thèmes chers à Ozon se retrouvent ainsi convoqués dans Le Refuge : le deuil (qui était au cœur de Sous le sable) et la maternité (déjà abordée dans le surprenant Ricky). La mort et la naissance, deux contraires qu’Ozon réunit dans un film simple et émouvant.

14/20